PERFORMATIVE PRÄSENTATION Magazin „Garderobe“

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Mi, 13.01.2016, 19:00 Uhr

PERFORMATIVE PRÄSENTATION  Magazin „Garderobe“
Vor dem Finale der Ausstellung präsentiert das Redaktionsteam die Publikation zur Ausstellung. Garderobe erscheint als kreative Interpretation eines Independent-Modemagazins, greift Themen und Formate des Genres auf, setzt sie auf neue Art und Weise um und steht schlussendlich als eigenes Werk zwischen Ausstellungskatalog und Modemagazin. Dabei eröffnen sich Blicke auf die Ausstellung, ihre KünstlerInnen, AkteurInnen und unterschiedlichen Aktionen, während zahlreiche Artikel von GastautorInnen über die Themen der Ausstellung hinaus weiter denken lassen.

PERFORMANCE roomwords and wordrobes
Ramona Rieder (Studentin der Universität für angewandte Kunst Wien)

PERFORMANCE Frontier Effects
Guilherme Mata (Kurator, /ecm)

PRÄSENTATION UND GRUNDSTEINLEGUNG
#VFM – Vienna Fashion Museum in Progress
Lena Kvadrat, Marlen Meissnitzer, Vipin Mayer

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Fotocredit
Magazincover „Garderobe“. Maske, entstanden im Rahmen des Workshops „Beziehungsskulptur – Stoff.Raum.Mensch“ mit Guilherme Mata, 2015. Foto: Fernanda Nigro. Grafik: zunder zwo.

Fotos der AUSSTELLUNG

Fotos: Josip Jukic-Sunaric

Ethno sind immer die anderen – Sonja Eismann

Den ganzen Beitrag finden Sie im Magazin GARDEROBE

Als „primitiv, tribal, spirituell, jedoch majestätisch“ kündigte Valentino seine SS2016-Kollektion per Twitter an. Für die Präsentation schickte das Haus zum Klang von Bongotrommeln mehrheitlich weiße Models mit Cornrow- oder Dreadlockfrisuren in Entwürfen über den Laufsteg, die als „afrikanisch“ gelesen werden sollten: Mit Federn, Perlen, Bast, Knochenketten. Die Grazer Designerin Lena Hoschek betitelte ihre von westafrikanischen Waxprints beeinflusste SS2015-Kollektion „Hot Mama Africa“ und stellte im begleitenden Text „Retro-Elemente und Ethno-Inspiration“ einander gegenüber: „European design meets African exuberance!“ Die deutsche Vogue-Ausgabe vom November 2015 zeigte in einer Modestrecke „Opulente Ethnolooks, inspiriert von peruanischer Folklore“.

Seit einigen Jahren tobt in der Modewelt ein Streit darüber, welche Formen von Aneignung vertretbar sind und welche nicht. Was ist respektlos gestohlen? Was respektvoll geliehen? Wo handelt es sich um „Cultural Appropriation“, wo um „Cultural Appreciation“? Klar ist, dass interkulturelle, globale Transfers sowie Klassen- und Szenenüberschreitungen seit jeher ein wesentlicher Bestandteil der Funktionsweise von Mode sind. Ob es sich um den seit den Kreuzzügen präsenten Orientalismus in Europa handelt, um die Imitation der von Friedrich Theodor Vischer so genannten „Hurenmode“ der demi monde durch bürgerliche Frauen Ende des 19. Jahrhunderts, um Paul Poirets „Balletts Russes“ aus dem Jahr 1910 oder um die Überführung von Punk Styles auf die Catwalks durch Designerinnen wie Vivienne Westwood oder Zandra Rhodes – ModeschöpferInnen bedienten sich, analog zu Inspirationen aus Feldern wie Kunst, Literatur oder später auch Film, immer schon in einer Form von Race, Class oder (Sub)Culture Drag bei Bevölkerungsgruppen, die als der High-Fashion-Welt fern angesehen wurden. Während bei der Aneignung von Subkulturstilen vornehmlich die Kooptation widerständiger Codes und deren Einspeisung in kapitalistische Warenkreisläufe als Problem gesehen wurden, ist die Ausgangslage bei den Debatten rund um Cultural Appropriation eine andere. Hier werde auf (post)koloniale Ausbeutungsmuster zurückgegriffen, in denen sich aus der hierarchisch überlegenen Position – ohne zu fragen – bei den Unterlegenen bedient werde, wobei die Versatzstücke aus ihrem oft mit spezifischer kultureller Bedeutung aufgeladenen Kontext gerissen würden. Außerdem werde mit der Begeisterung für das „Urtümliche“ auf rassistische Stereotype vom „Primitiven“ rekurriert, die als reduktionistisch und degradierend kritisiert werden.

 

The Function of Fashion – Otto von Busch

deep-fashionBild: Otto von Busch
Lesen Sie diesen und andere spannende Artikel im Magazin GARDEROBE

“Form Follows Function” is now an old mantra of design, the epitome of design as the modern practice of social improvement. Even if this motto may not be as popular as some decades ago, it may still quite accurately describe some aspects of the design process and its application.

Function can be understood in very wide terms, in anything from machine parts and ergonomics to healthcare services and glossy myth production. But if we are to examine what function really is for everyday design the main question would perhaps be: what function is of priority to your user or stakeholders, or perhaps more accurately for most design processes: what function is of priority to your contractor, your employer?

The motto of form follows function is very effective in putting the attention of the designer to the goal or the design brief: you must design function, and function is not a fluffy category like taste, but something measurable, something that can be almost objective. It makes designers not merely artists, forming subjective emotions, but like engineers, doctors or physicists, with function designers become really useful to society.

We struggle with this in fashion. Some of us want to be useful, other want to be more artistic. We may work with aesthetics, but still, much of our aesthetics are deemed as functional: we argue some patterns make the wearer seem longer, some colours are more “expressive”, some shapes of silhouette more attractive, some fabrics more “breathable” and, yes: some fabrics are even “functional”.

With function, it is as if we work for a higher aim, a noble truth more elevated than the daily struggles of morals or politics. Indeed, this is often used to sell more recent design methods, such as “participatory design”: that it is a higher form of applied democracy, not polluted by the dirty, contested and irrational struggles of politics. Participatory design is more functional.

Function is almost like a law of physics. It is just there, neutral and necessary. But unlike gravity, function is usually also seen as objectively good. If I make something functional, it is most often also beneficial or even virtuous.

But there is another function of design that we seldom discuss: that function also serves the ones who design, or at least the world from which they come. It is also functional for the interests that wrote the brief, for the contractor and agency ordering the designer to do something functional. It is functional because it furthers the interests and power of those who define the function. And in most cases, the most perpetual function of design is to further inequality. And this may be especially true for fashion: fashion thrives on exclusion, on distinguishing between the “in” and “out”, on preserving social injustices and making sure nothing fundamental alters the class divisions in society. Even if design has become more “democratic”, that is, accessible, the consumer or slave still simply votes for another master: the new paradigm of fashion does not abolish the master. This is indeed the function of fast fashion: making consumers reaffirm their slavery more happily. We are born free, but everywhere held in chains, or in chain stores. With easy consumerism we are taught to sing in our chains.

We must come to terms with that design is never neutral. The primary function of design is to dominate, to form the user, to challenge dissatisfaction with miniscule steps of hope. Design is a force and it produces consent. It may do so in a subtle way, or more explicitly. To trace the true impact of design we must look for its function on a deeper, social level. We must trace the mantra of “Fashion Follows Function” on a more radical level, and ask: what is designed, for whom, and in the interest of what social actor?

The function is always asymmetric and it hides the uneven distribution of agency and wellbeing in its path. As we look at the social situation of the poor and marginalized it may be more obvious, but its political function may also be closer to our own lives. The challenge for fashion designers is to distribute more agency, make users more skilled and engaged in disassembling the Real function of design, to bring it into their control. To abolish the master.

Fashion follows function. The form of society is uneven; it is unequal, and unjust. The ultimate function of fashion is to make sure it stays that way, that the social form of things keeps being asymmetric, that social life stays tilted in favour of those with privilege. We must alter that function.

If we are interested in the politics of design it may be helpful for us to take the old mantra of “Fashion Follows Function” as more reliable and plain-spoken that we first may think. Ask yourself: what is designed, for whom, and in the interest of what social actor? Follow the function, and your may see the form of power. Change the deeper function, and you may start to change the world.

 

 

Individualismus in der Mode – Mark Baigent

baigentFoto: Esther Vörösmarty

Lesen Sie das Interview mit Mark Baigent im Magazin GARDEROBE

Zweimal im Jahr haben Designer und solche, die es gerne sein wollen, die Aufgabe, eine neue Kollektion auf den Markt zu bringen. Für jede Saison, Frühling/Sommer und Herbst/Winter sollen die Trends neu gesetzt werden. Für Frauen und Männer. Das war schon immer so und soll auch immer so bleiben… oder nicht?
Mode ist Kunst. Kunst ist Mode. Kunst ist so vielschichtig und kann auf so viele Arten und Weisen interpretiert und neu definiert werden.
Deshalb stellt sich mir die Frage, warum die Mode bis dato so „einseitig“ ausgelegt wird? Sicherlich ist die Genderthematik bereits sehr ausgeschöpft, aber dennoch hat sie einen Trend hervorgerufen, der in der Mode lange Zeit gefehlt hat: nämlich die Sichtweise des einzelnen Menschen und dessen Wünsche.

Es gab eine Zeit, in der Modeschöpfer und Modeschöpferinnen sich mit jeder Kollektion neu interpretiert haben und etwas Neues und noch nie Dagewesenes schufen. Sehr viele dieser Marken haben längst dicht gemacht beziehungsweise wurden sie von größeren Häusern aufgekauft. Zwischen den 1980ern und den 2000ern verschwanden ein Großteil der meiner Meinung nach ausgefallensten und wichtigsten Labels und übrig blieben die, welche wir heute kennen. Warum? Geld regiert die Welt.

Ich wurde gebeten, einen Artikel über die Genderthematik in der Mode zu schreiben und konnte nur sehr schwer den Einstieg dazu finden. Gender ist auch in der Mode so vielseitig. Ich möchte darüber schreiben, was meiner Meinung nach dem Geschäft mit den Körperhüllen fehlt. Und warum es seit über 30 Jahren nicht gelingt, Individualismus in der Mode zu schaffen.
Es ist ein sich ständig drehendes Rad, die Präsentationen in den Modemetropolen dieser Welt stehen bereits ein Jahr vorher fest. Die Messestände sind gebucht und das Hotelzimmer ist wie jedes Jahr das gleiche. Es geht auf nach Paris, Mailand, London, Hong Kong oder New York. Alle suchen wir ihn: den neuen Trend, die neue Farbe und die neuestens Accessoires.
Hunderte von Designern, Stylisten und Fashionistas werfen sich in Schale und übertreffen mit jedem Outfit das der anderen.
Wenn man mich fragt, warum ich mich so kleide, wie ich es tue, dann war bzw. ist meine Antwort immer die gleiche:
„Ich möchte meine Persönlichkeit, die in mir ist, nach außen tragen, Kleidung sollte mich als Menschen und meine Persönlichkeit unterstreichen, ich trage die Kleider, nicht die Kleider mich.“

Doch wie wahr ist diese Aussage wirklich, suchen wir wirklich im Rad der Saisonalen Modeindustrie den Individualismus? Denken wir wirklich, dass ein Kleidungsstück, nur weil es Abnäher hat, ein Kleidungsstück für Frauen ist bzw. der vertiefte Schritt nur dem männlichen Geschlecht zugeschrieben ist?
Was definiert das Geschlecht eines zusammengefügten Stück Stoffes?
KonsumentInnen werden von klein auf gelehrt, welche Formen, Farben und sogar Düfte zu welchem Geschlecht passen. Doch wozu? Menschen haben vergessen, sie selbst zu sein – Individuum zu sein – weil wir uns gegenseitig an der eigenen Entwicklung hindern.
„Es ist viel wichtiger glücklich zu sein als gut gekleidet“ sagte Iris Apfel einmal, und dem kann ich nur zustimmen. Bestimmt das Kleidungsstück unseren Status oder unser Gemüt? Tragen wir die Kleidung oder trägt die Kleidung uns? Diese Frage sollten wir uns stellen! Und aus diesem Grund halte ich genderdefinierte Kleidung für Schwachsinn und hoffentlich auch bald nicht mehr so „en vogue“ wie bisher.

ERÖFFNUNG

FÜR GARDEROBE WIRD NICHT GEHAFTET
Widerständiges in Mode und Produktion

PRE-OPENING
Mi, 9.12.2015, 17:00 Uhr
Lord Rieger, Gonzagagasse 15, 1010 Wien
Ausstellungsexpositur mit Arbeiten von Monika Haas und Afra Kirchdorfer
Fotos des Pre-Opening bei Lord Rieger

ERÖFFNUNG
Mi, 9.12.2015, ab 19:00 Uhr
Angewandte Innovation Laboratory (AIL), Franz-Josefs-Kai 3, 1010 Wien
Fotos der Eröffnung im AIL

Zur Ausstellung
Gerald Bast (Rektor, Universität für angewandte Kunst Wien)
Barbara Putz-Plecko (Vizerektorin, Universität für angewandte Kunst Wien)
Beatrice Jaschke (Leitungsteam /ecm-Masterlehrgang, Universität für angewandte Kunst Wien) im Dialog mit KuratorInnen der Ausstellung

PERFORMANCE Shapeshifting
Shapeshifting ist ein Projekt, das normierende Referenzkörper wie Schneiderpuppen in Frage stellt und dazu auffordert, Kleidung und Mode spielerisch neu zu denken.
Ute Neuber (künstlerische Forscherin)

PERFORMANCE B[e]Ware – Singer vs. Abhörapparat
Zwei Nähmaschinen stehen sich gegenüber, produzieren im Zwiegespräch. Es entstehen Objekte aus Schutzmaterialien, die ihren Weg schließlich in den öffentlichen Raum finden.
Klaus Erich Dietl / Stephanie Müller (Bildende KünstlerInnen)

MUSIK
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PERFORMANCE Shapeshifting

Mi, 9.12.2015, ab 19:00 Uhr
PERFORMANCE Shapeshifting

Shapeshifting ist ein Projekt, das normierende Referenzkörper wie  Schneiderpuppen in Frage stellt und dazu auffordert, Kleidung und Mode spielerisch neu zu denken.
Ute Neuber (künstlerische Forscherin)

Die Performance findet im Rahmen der Eröffnung statt.

PERFORMANCE B[e]Ware – Singer vs. Abhörapparat

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Mi, 9.12.2015, ab 19:00 Uhr / Sa, 12.12.2015, 17:30 Uhr
PERFORMANCE B[e]Ware – Singer vs. Abhörapparat
Zwei Nähmaschinen stehen sich gegenüber. Im Zwiegespräch kämpfen sie um die Herrschaft der von ihnen produzierten Zeichen. Die gegenüberstellung der Nähmaschinen bildet das Zentrum der stationären Installation. Zentraler Angriffspunkt ist die kritische Auseinandersetzung mit Mode und damit verbundenen Ausschlussmechanismen. Wie lässt sich Textiles nutzen, um abgesteckte Muster aufzulösen, Grenzen aufzutrennen und neue Denk- und Handlungsräume zu erschließen?
Die gemeinsam entwickelten und fertiggestellten Objekte werden in den öffentlichen Raum überführt: In einem performativen „Walk“, von einer singenden Nähmaschine begleitet, werden die in kleine Kartons verpackten „Abwehrschirme to go“ in der Stadt verteilt. Für Garderobe wird nicht gehaftet; sie können von PassantInnen einfach mitgenommen werden. Die Produktionsmaschinerie entzieht sich damit dem kapitalistischen Verwertungsprozess. Es wird weder verkauft, noch eingetauscht, sondern verschenkt. Der Adressat bleibt unbekannt.
Klaus Erich Dietl / Stephanie Müller

www.flachware.de/klaus-erich-dietl
www.flachware.de/stephanie-mueller

Die Performance findet am Mi, 9.12.2015 im Rahmen der Eröffnung und am 12.12.2015 im Rahmen der Tagung „Re-Visioning Fashion Theories“ statt.


Fotocredit
Stephanie Müller, Lisa Simpson, „Singende Nähmaschinen“. Foto: Futaba Nakayama